Back Issue

Volume 16, Issue 1
January/February 2013

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Features

Controlled Street

Luther Brown plays the game

By Kathleen Smith

With roots in Jamaica and Toronto’s Jane/Finch, choreographer Luther Brown brings street cred to the big time by crafting eye-popping in-your-face routines for the likes of Janet Jackson and Nicki Minaj

In the booty-shaking world of hiphop music videos and live shows, choreographer Luther Brown is king of the hill. He regularly works with pop culture icons – Janet Jackson, Diddy, Mario and, most recently, Nicki Minaj, the chart-topping mean girl with the outrageous performance persona. Brown has a unique connection to dance that goes way back to his roots in Kingston, Jamaica and Toronto’s Jane/Finch. It’s what keeps the superstars (not to mention the thousands of young urban dance devotees Brown inspires while teaching workshops from Lodz to St. Petersburg to New York) coming back for more of Brown’s signature fresh moves. In a world of extreme hype, he’s doing his best to keep things real: ““When I move the way I do to music it’s not because I’ve suddenly put on my hiphop hat and now I’m doing hiphop”, Brown says, “…people are krumping and they don’t even understand why, what’s behind it. I’m not saying that everyone needs to go through certain dramas in their life to dance that dance but still… when you do it you have to do it from the right place”.

Dans le monde groovy de vidéoclips et de spectacles hip-hop, le chorégraphe Luther Brown est roi de la montagne. Il travaille régulièrement avec des vedettes de la culture pop, notamment Janet Jackson, Mario et, dernièrement, Nicki Minaj, femme fatale au sommet du palmarès et bête de scène hors normes. Brown retrace son lien particulier à la danse à son enfance à Kingston, en Jamaïque, et au quartier Jane et Finch, à Toronto. Tout comme des milliers de jeunes danseurs urbains qui participent à ses ateliers à Lodz, à Saint-Pétersbourg et à New York, entre autres, les stars quémandent la gestuelle fraîche et distinctive de Brown. Dans un monde qui tend à la frénésie, l’artiste s’efforce de garder les deux pieds sur terre. « Quand je bouge la façon que je bouge sur la musique, ce n’est pas parce que je me suis soudainement transformé en danseur hip-hop et que je fais du hip-hop », nuance Brown. « Les gens dansent le krump sans comprendre pourquoi ils le font, ou même les origines de la forme. Je ne dis pas que chacun doit subir certaines péripéties pour danser, mais encore… quand tu le fais, il faut le faire pour les bonnes raisons. »

Tango

The People’s Embrace

The dance of Buenos Aires belongs to the world now. Quietly accommodating professionals, skilled amateurs, posers and passionate instructors, it is the peoples’ dance. This collection of images and words captures a few of the reasons why.

Photography by EK Park/Text by Alison Murray and Carlos Boeri.

On Men Dancing

By Philip Szporer

A Man’s World

The Singular Path of Hari Krishnan

By Philip Szporer

At last summer’s 80th anniversary season of the Jacob’s Pillow Dance Festival the achievement of founder Ted Shawn and his company of male dancers was celebrated with The Men Dancers: From the Horse’s Mouth, a concert featuring a “who’s who” of twenty male performers – ranging from Arthur Mitchell and Lar Lubovitch, to Josh Beamish and Hari Krishnan – with each participant executing original choreography and sharing brief personal anecdotes. Krishnan’s layered solo about discrimination, the Other, and empowerment, Pissing off the Neighbours was a highlight. Krishnan works with a plethora of information, whether drawn from research in bharatanatyam, hiphop, martial arts, ballet and drag or more broad-based pop culture. “… I am most committed to aesthetic exchange and dialogue”, he says, “[I want to] move audiences to think beyond … binaries and celebrate secular traditions of eroticism and the body.” Philip Szporer writes about Krishnan’s methodology and oeuvre in this far-ranging exploration of one man dancing.

À l’été 2012, à l’occasion de sa 80e édition, le festival de danse, Jacob’s Pillow célèbre les réalisations de Ted Shawn et de sa compagnie d’hommes avec The Men Dancers: From the Horse’s Mouth, un concert avec des danseurs masculins vedettes – d’Arthur Mitchell et de Lar Lubovitch, à Josh Beamish et à Hari Krishnan. Chaque participant interprétait une chorégraphie originale et partageait une brève anecdote personnelle. Le solo de Krishnan sur la discrimination, l’autre et l’affirmation de l’autonomie, Pissing off the Neighbours, se démarquait du lot. Krishnan puise une pléthore d’information et de recherche, que ce soit en bharatanatyam, en hip-hop, en arts martiaux, en ballet, en drag ou en culture populaire. « L’échange esthétique et le dialogue m’interpellent le plus », dit-il, « je veux que le public pense au-delà du binarisme, et célèbre les traditions séculaires d’érotisme et du corps. » Ici, Philip Szporer écrit sur la méthodologie et l’oeuvre de Krishnan dans une exploration poussée d’un homme qui danse.

Ted Shawn’s Legacy

By Philip Szporer

Alexis O’Hara

In Conversation with George Stamos

By George Stamos

Montréal mavericks and good friends, choreographer Stamos and musician/performer O’Hara compare notes on gender, the meaninglessness of the word “transdisciplinary” and Montréal versus Toronto work/lifestyles.

Performer/musician Alexis O’Hara and choreographer George Stamos are close friends. Both are based in Montréal and each is equally committed to defying artistic boundaries and categorization within their respective practices. O’Hara is well known for her cabaret work, crooning her own tunes and on occasion diving into deep pools of parodic, comic and drag performance. And notwithstanding her recent interactive installation work and career as a musician, O’Hara’s remains drawn to the power of performance. She says, “There’s something I’m radiating outwards with my body and my face and my chest that is making a connection, that is a performative link to the audience, as opposed to just being a spectacle that they look at.” Stamos and O’Hara’s In Conversation touches on issues of gender, the challenge of labels such as ‘transdisciplinary’ and just what makes Montréal so darn special for the artists who work there.

L’interprète et musicienne Alexis O’Hara et le chorégraphe George Stamos sont de bons amis. Les deux habitent Montréal et chacun, dans leur pratique, est engagé à mettre au défi les frontières disciplinaires et la catégorisation artistique. O’Hara est bien connue pour son travail de cabaret – elle roucoule ses propres chansons et, à l’occasion, elle plonge loin dans la performance drag, parodique et comique. Sans compter son récent travail en installation interactive et sa carrière de musicienne, la créatrice est toujours attirée par la performance. « Il y a quelque chose qui émane de mon corps et de mon visage et de ma poitrine qui crée un lien, c’est-à-dire un lien performatif entre le public et moi, contrairement à un show que le spectateur ne ferait que regarder »,explique-t-elle. L’échange entre Stamos et O’Hara touche aux questions de sexe, du défi de termes comme « transdisciplinaire », et du je-ne-sais-quoi qui rend Montréal si agréable aux artistes qui y travaillent.

Looking for Inspiration?

Interrarium

By Kate Stashko

Initiated in 2006 by Nicole Mion of Springboard Performance in Calgary, Interrarium is a residency that focuses on “a process-oriented, creative environment for dialogue, critical thinking and experimentation.”

Open to artists across various disciplines, Interrarium provides a chance to ask questions and take risks in the company of others. “I hear from artists who say they’ve figured out a successful mode of creating, but it still means they are in the studio alone,” Mion says. “Just having a conversation with someone [else] is the beginning of shifting the way you think about yourself and what you do”. For Mion, this sharing of ideas and approaches is a form of research and development, and she feels that in the professional dance structure, this is often neglected: “We don’t think of research and development as an ongoing part of our practices and I think it’s healthy to have a place for that.”

Initiée en 2006 par Nicole Mion de Springboard Performance à Calgary, Interrarium est une résidence orientée sur le processus, la créativité dans le dialogue, la pensée critique et l’expérimentation. Ouvert aux artistes d’une variété de disciplines, Interrarium offre un lieu pour poser des questions et prendre des risques en compagnie d’autres. « J’ai des appels d’artistes qui ont trouvé un mode fructueux pour la création, mais qui sont encore seuls dans le studio » raconte Mion, artiste et commissaire. « Parler avec quelqu’un d’autre, c’est un moyen d’élargir notre perception de soi et de son travail. » Selon elle, ce partage d’idées et d’approches est une forme de recherche souvent délaissée dans la structure de danse professionnelle. « Nous ne pensons pas à la recherche comme un élément dans la continuité de notre pratique », avance-t-elle. « Je pense qu’il est très sain de lui attribuer un espace. »

Departments

Editorial

By Kathleen Smith

It’s a Man’s World?

Making Waves

By Munju Monique Ravindra

Tony Ingram

Inspired!

By Brittany Duggan

Wen Wei Wang

Emerging Views

Scott Fowler

Studio Now

By Pia Lo

Capoeira Archè Brasil in Vancouver

What’s In Your Dancebag

Capoeira master Mestre Eclilson de Jesus

Healthy Dancer: Training & Conditioning

By Dr. Blessyl Buan

Barre workouts: not just for the dancer wannabe

Healthy Dancer: Nutrition

By Dr. Millie Lytle

Eating to Reduce Inflammation

Healthy Recipe

Broiled Mackerel with Spice Rub

The Goods

Massage Balls from Halfmoon

Confluences – On the Page

A Choreographic Mind: Autobodygraphical Writings

By Christopher House

Susan Rethorst’s new book

Check It Out

Head of the Class

Documentary film First Position.

Artifact of the Month

Jester Stage Prop fom 1923

By Amy Bowring

Courtesy of Dance Collection Danse.

This intensive will explore the tendus and dégagés of ballet to the spinal work of contemporary dance and mudras of Indian dance in a hybrid new way to move.