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Volume 15, Issue 3
May/June 2012

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Features

Music + Dance = Performance

Clara Furey likes to mix it up

By Kathleen Smith

As at home on the concert stage as she is in the dance studio, Montréal’s multi-talented Clara Furey talks about her collaboration with Benoît Lachambre – the equally uncategorizable Les chutes incandescentes – premiering at the Festival TransAmériques in May.

Says Furey when asked to describe just what it is she does: “What is the form? I don’t care. To me that’s an old question that I don’t care about anymore because I’ve realized that what really matters to me is the content.” It’s the rallying cry of a true 21st century artist and Furey owns it. She may be highly trained in more than one discipline but they are interchangeable as delivery systems for ideas and expression. What drives her is a deep love for performance. “I love performance above all,” she admits, “that way I don’t make a boundary between what’s music what’s dance what’s performance, you know? What is most true is my need to be onstage.”

Elle est chez elle autant sur une scène de concert que dans un studio de danse. De Montréal, Clara Furey discute la danse, la musique et sa collaboration avec Benoît Lachambre sur l’inclassable Les chutes incandescentes, présenté en première au Festival TransAmérique en mai. « Quelle est la forme ? Je m’en fou. La question est vieille, selon moi – c’est le contenu qui m’importe », répond Furey lorsqu’on lui demande de décrire son travail. Sa position est celle d’un véritable artiste du vingt et unième siècle, et elle l’assume complètement. Elle a une formation exhaustive dans plus d’une discipline, mais celles-ci sont interchangeables comme des modes de livraison pour l’expression et les idées. Un profond amour du spectacle la nourrit. « J’aime le spectacle par-dessus tout », avoue-t-elle, « comme ça, il n’y a pas de frontières entre la musique, la danse, la performance, vous savez ? Mon besoin le plus vrai est celui d’être sur scène. »

What's in a name?

The meaning of "Festival"

By Philip Szporer

At a time when the term itself has become a tool for marketing any number of events and activities, what is at the heart of the concept? Philip Szporer talks to a variety of directors and visionaries on what “festival” means to them.

For some, it is a gathering place for trading ideas and sampling more risky programming. For others, it’s a mechanism for developing bigger, better, more educated audiences. But everyone interviewed here – from Nicole Mion in Calgary (Fluid Festival) to Marie-Hélene Falcon in Montreal (Festivals TransAmériques FTA) to Donna Spencer in Vancouver (Dancing on the Edge) – agrees that festivals are still a fundamental component of a healthy dance presentation environment. And each comments on the festival’s many points of entry, and how an exploration about art can be shared with the public. As FTA’s Falcon says, “We see people open their minds to a range of internal experience.” Vancouver’s Spencer concurs, “Audiences are more willing to take risks with work during a festival than in a dance series.” This immersive heterogeneous perspective transcends a particular choreographer, tradition, or performance. And, as Jacob’s Pillow artistic director Ella Baff points out, “People surprise themselves. I still believe ‘more exposure, more appetite, more risk’.”

Alors que le mot « festival » est devenu un outil de mise en marché pour nombre d’événements et d’activités, qu’y a-t-il au cœur du concept ? Philip Szporer interviewe une variété de directeurs et de visionnaires sur le sens du mot. Pour l’un, le festival est un lieu de rencontre propice à l’échange d’idées et à une programmation audacieuse. Pour l’autre, c’est un mécanisme qui permet de développer le public en nombre et en sensibilité. Mais tous – de Nicole Mion à Calgary (Fluid Festival), à Marie-Hélène Falcon à Montréal (Festival TransAmériques (FTA)), à Donna Spencer à Vancouver (Dancing on the Edge) – s’accordent sur le festival comme composante essentielle d’un sain environnement de diffusion de danse. Chacun note les points d’entrée multiples du festival, et l’exploration partagée de l’art par les artistes et les spectateurs. « Nous témoignons que les personnes s’ouvrent à une gamme d’expériences intérieures », note Falcon, du FTA. Spencer, de Vancouver, abonde en ce sens. « Le public est plus porté à prendre des risques lors d’un festival que lors d’une programmation régulière », affirme-t-elle. La perspective hétérogène et immersive de la forme transcende un chorégraphe, une tradition ou un spectacle particulier. Et « les gens se surprennent », souligne Ella Baff, directrice du festival Jacob’s Pillow. « Je crois encore que plus il y a de l’exposition, plus il y a un appétit, plus il y a de prise de risque », ajoute-t-elle.

Revolutionary Views

The 360 Project

By Ryan Enn Hughes

Capturing dance on film has preoccupied artists from Eadweard Muybridge to Wim Wenders. Now a young Toronto artist is adding his experiments in 360 degree motion capture to the canon of creativity.

Occupy Dance

Artists on the frontlines

By MJ Thompson

Writer MJ Thompson invites participants from diverse Occupy encampments to share their experiences and pictures. Together with Thompson’s essay on the now suppressed yet still iconic Occupy poster with its ballerina poised atop a raging bull, this “scrapbook” explores the movement of dissent.

On September 17, 2011, the Occupy movement began in Liberty Square in Lower Manhattan, in the heart of New York’s financial district. People of all walks, empowered by social networking and mobilized by big bank corruption and the 2008 recession that continues to devastate millions, pitched tents and camped out in a symbolic reclamation of public space. Using an astonishing array of progressive strategies – modeling participatory democracy in general assembly meetings; providing basic services such as food, medical and legal services, and education; and speaking via an abundance of aesthetic and theatrical means – the movement stands against toxic policies that favour banks and corporations over ordinary people. In spite of different emphasis and origins, protesters united around the slogan “We are the 99 %,” which refers to the economic disparity between the wealthiest 1% of society—who earn nearly 25 per cent of United States income – and the rest of the population. By mid-October last fall, OWS had changed the terms of public debate in the United States and spread to cities and countries around the world.

Le 17 septembre 2011, le mouvement des indignés « Occupy Wall Street » commence à Liberty Square à Manhattan, au cœur du quartier financier de New York. Fortes du réseautage social et mobilisées par la corruption des grandes banques et la récession de 2008 qui continue à dévaster des millions, des personnes de tout horizon installent des tentes et des campements dans une reprise symbolique de l’espace public. Ils déploient une gamme étonnante de stratégies progressistes : ils s’inspirent de la démocratie participative dans des assemblées générales ; ils offrent des services de base comme de la nourriture, des services de santé, des services juridiques et de l’éducation ; ils s’expriment dans une pluralité de formes esthétiques et théâtrales. Grâce à cela, le mouvement se positionne contre les politiques toxiques qui favorisent les banques et les entreprises au-delà de la personne normale. Malgré leurs positions et origines différentes, les indignées se sont rallié au slogan « Nous sommes les 99 pour cent », qui souligne la disparité économique entre les 1 pour cent les plus riches de la société – qui gagnent 25 pour cent des revenus aux États-Unis – et le reste de la population. À la mi-octobre, les indignés avaient changé les conditions du débat public aux États-Unis et le mouvement s’installait aux quatre coins de la planète.

Imagery, Ideas, Ownership

How One Poster Rocked the World

By MJ Thompson

Last July, when the Canadian magazine Adbusters published an unusual centerfold – a poster with a hash tag that would launch an historic political movement – dance held the centre.

Emily Molnar

In Conversation

By Evann Siebens

After years of uncertainty, Vancouver’s Ballet BC is financially and creatively in the black. With one hand firmly on the steering wheel, Artistic Director Emily Molnar talks about juggling her leadership role with her work as a choreographer and performer.

Emily Molnar has been Artistic Director of Ballet BC since March 2010 (interim director from July 2009). She is a graduate of the National Ballet School and a former member of the National Ballet of Canada, a former soloist with the Frankfurt Ballet, where she created and performed an extensive repertoire under director William Forsythe and, most recently, a principal dancer with Ballet BC. She has created and performed several works as a choreographer and solo artist, including commissions for Ballet BC, Alberta Ballet, Ballet Mannheim, Ballet Augsburg, Cedar Lake Dance, Pro Arte Danza and Morphoses/The Wheeldon Company, among others. Vancouver-based filmmaker and former fellow National Ballet colleague Evann Siebens sat down with Molnar shortly after the Ballet BC premiere of Walking Mad and Other Works in March for a chat about the company, the work and about Molnar’s hope for a more inclusive thinking about dance around the world.

Emily Molnar est directrice artistique de Ballet BC depuis mars 2010 (et directrice intérimaire depuis juillet 2009). Elle est diplômée de l’École nationale de ballet et ancienne danseuse chez le National Ballet of Canada, ancienne soliste avec le Frankfurt Ballet, où elle crée et danse un vaste répertoire sous la direction de William Forsythe et, plus récemment, première danseuse avec Ballet BC. Elle a créé et interprété plusieurs pièces comme chorégraphe et artiste solo, y compris des commandes pour Ballet BC, Alberta Ballet, Ballet Mannheim, Ballet Augsburg, Cedar Lake Dance, Pro Arte Danza et Morphoses/The Wheeldon Company, parmi d’autres. Evann Siebens, réalisateur et ancien collègue au National Ballet établit à Vancouver, s’entretient avec Molnar peu après la première de Walking Mad and Other Works de Ballet BC, en mars. Ils discutent la compagnie, la création et l’espoir que nourrit Molnar pour une pensée inclusive de la danse.