Back Issue

Volume 15, Issue 1
January/February 2012

View Back Issues

Features

Juxtapositions, specificity and urban cool

David Raymond and Tiffany Tregarthen of Out Innerspace

By Kate Stashko

Vancouver’s David Raymond and Tiffany Tregarthen of Out Innerspace integrate movement and sound in an energetic and meticulous manner.

There’s a newly energized duo in Vancouver these days. Although their company, Out Innerspace Dance Theatre, has been based on the West Coast since 2007, Tiffany Tregarthen and David Raymond are now on the cusp of an exciting shift in their careers. After years of working with list of collaborators that reads as a who’s who of the Vancouver dance scene, including Wen Wei Wang, Simone Orlando, Josh Beamish and Amber Funk Barton, they have crystallized what drives them and what excites them about creating new work: it’s a meticulous and specific approach to the integration of movement with sound. “We think of sound as a character and a voice in the body,” says Tregarthen. Raymond adds that “the body is a physical analogy, a reflection of what the sound is doing.” The couple’s newest work premiering at The Dance Centre in January, is strongly based on this self-described “dogmatic” approach to the integration of movement with sound, drawing on their strong chemistry as a couple and a current curiosity about characterization (specifically in superheroes and cartoons).

À Vancouver, en ce moment, un duo dynamique se trouve insufflé d’une nouvelle énergie. Même si leur compagnie, Out Innerspace Dance Theatre, se retrouve sur la côte ouest depuis 2007, Tiffany Tregarthen et David Raymond se retrouvent au seuil d’une transition professionnelle excitante. Partenaires sur scène et dans la vie, ils ont travaillé pendant des années avec des collaborateurs des plus en vue du milieu vancouvérois, y compris Wen Wei Wang, Simone Orlando, Josh Beamish et Amber Funk Barton. Maintenant, ils cristallisent leur pulsion créatrice : une approche méticuleuse à l’intégration du mouvement et du son. « Nous imaginons le son comme un personnage et une voix dans le corps », explique Tregarthen. « Le corps est une analogie physique, une réflexion du son », ajoute Raymond. Ils présentent leur dernière création en janvier au Dance Centre. La pièce intègre le son et le mouvement par une approche décrite comme « dogmatique » par les artistes. Ils puisent aussi leur chimie en tant que couple et leur présente curiosité autour des personnages, en particulier des superhéros et des personnages de bande dessinée.

Can you copyright a dance?

An Interim Report

By Chris Dupuis

In the grand scheme of things, the answer seems to be a resounding “not really”. Ripoffs abound in the art world and as one high-profile case recently demonstrated in the media, it is no easier for a choreographer to control their work than it is for any other type of creator.

Can you copyright a dance? In the grand scheme of things, the answer seems to be a resounding “not really”. Rip-offs abound in the art world and as one high profile case involving American pop star Beyoncé and Belgian art star Anne Teresa de Keersmaeker recently demonstrated in the media, it is no easier for a choreographer to control their work than it is for any other type of creator. Writer Chris Dupuis discovers that a similar scenario could easily happen in Canada where dance is covered under the Canadian Copyright Act as a “choreographic” sub-section of dramatic work. The definition is not exactly rigorous – it includes “any work of choreography, whether or not it has any story line”. Copyright protection may be possible if the work is original and has been “fixed in writing” or, in the case of dance, notated, or, though it has yet to be tested and is thus not for certain, videotaped or filmed. So while copyright protection and the possibility of defending infringements of that copyright are theoretically possible – without test cases and precedents, the practical value of it is unknown.

Le droit d’auteur s’applique-t-il à la danse ? Globalement, la réponse « pas vraiment » semble retentir. Le pillage foisonne dans le milieu des arts et le chorégraphe qui veut protéger ses créations se heurte aux mêmes difficultés que les autres créateurs. C’est ce que démontre le récent cas très médiatisé entre la vedette populaire américaine Beyoncé et la vedette belge de l’art Anne Teresa de Keermaeker. Le rédacteur Chris Dupuis apprend qu’un scénario semblable aurait pu se dérouler au Canada, où la danse figure dans la loi canadienne sur le droit d’auteur. Une sous-catégorie d’œuvre « dramatique », l’œuvre « chorégraphique » ne jouit pas d’une définition particulièrement rigoureuse ; elle comprend « toute chorégraphie, que l’œuvre ait ou non un sujet ». Pour bénéficier de la protection du droit d’auteur, une chorégraphie doit être originale et « fixée par écrit ou autrement ». Pour la danse, c’est-à-dire qu’elle serait consignée dans une partition ou, bien que cela ne soit pas éprouvé, enregistrée sur vidéo ou film. En théorie, la protection du droit d’auteur et le pouvoir de se défendre contre les violations dudit droit demeurent possibles. Cependant, en l’absence de cas type ou de précédents, la valeur actuelle du droit d’auteur en danse reste inconnue.

Flamenco's Other Shore

Photo Essay with La Otra Orilla

Latin Nights

Salsa and Samba Sensations in Montréal

By Lys Stevens

The popularity of dances such as salsa and samba is exploding in studios, theatres and community centres all across Canada. Montréal-based writer Lys Stevens takes the feverish pulse of Latin dance culture in her community and discovers a new passion.

Montréal writer Lys Stevens explores the vibrant culture of Latin dance and discovers that Samba, the dance she is currently developing a passion for, is one of the few forms that is not a partner dance. Merengue and bachata from the Dominican Republic; the cha-cha-cha, mambo and rumba from Cuba; forró and lambada from Brazil, the Argentine tango and the hugely popular salsa, are all dances performed in a couple. The multiplicity of forms and the interconnections of influences between them are dizzy-ing to a novice practitioner such as Stevens. What they have in common, including samba, is an Afro-Latino rhythmic base. Latin dance is a story of the displacement of peoples: at its foundation, Latin America is an uneven mix of indigenous peoples, European colonizers and Africans brought during the centuries-long trans-Atlantic slave trade of the fifteenth to eighteenth centuries. The mix creates a rich complex of cultural expressions, with dance a vital and treasured element among them. According to Montreal salsa dancer and teacher Caroline Paré, these are also ‘street’ dances: underground urban popular social dances that emerged as a social release and celebration of cultural roots. Many of these dances have a more refined ballroom dance counterpart that often has very little to do with the street form danced by the people who created them. But both streams are increasingly lending their energy and infectious qualities to the wider culture of dance in Canada.

La rédactrice montréalaise Lys Stevens explore la vive culture de la danse latine. Elle découvre que la samba – pour laquelle elle développe une passion – est une des rares formes de danse latine solo. Le merengue et la bachata de la République dominicaine ; le cha-cha-cha, le mambo et la rumba de Cuba ; le forró et la lambada du Brésil, le tango argentin et la très populaire salsa : voilà toutes des danses de couple. La multiplicité de formes et de filiations peut être étourdissante pour une débutante comme Stevens. Tous les styles, y compris la samba, partagent une base rythmique afro-latine. L’histoire de la danse latine s’inscrit dans la dispersion de peuples. À la base, l’Amérique latine est un mélange irrégulier d’autochtones, de colonisateurs et d’Africains déportés au cours de la traite des esclaves du quinzième au dix-huitième siècle. Le métissage donne lieu à un amalgame complexe d’expressions culturelles où la danse fait très bonne figure. Selon la Montréalaise Caroline Paré, artiste de danse salsa, les danses latines sont aussi des danses de rue, des danses sociales urbaines et marginales qui ont émergé comme échappatoire sociale et expression de traditions culturelles. Plusieurs styles comptent une contrepartie plus raffinée en danse de salon qui tient souvent très peu de la forme populaire et des peuples qui l’ont créée. Néanmoins, les deux courants prêtent de plus en plus leur énergie et leurs qualités contagieuses à la culture de danse au Canada.

Zab Maboungou

In Conversation

By Philip Szporer

On the occasion of the 24th International Association of Blacks in Dance conference, performer, choreographer, philosopher and keynote speaker Zab Maboungou talks colonization, drumming and the African diaspora.

Zab Maboungou has always moved well in the world. The dancer, choreographer, artistic director of Zab Maboungou/Compagnie Nyata Nyata, and a teacher of philosophy at Collège Montmorency in Laval, is a self-described “child of colonization”. Born in Paris to a French mother and a Congolese father, she arrived in Montréal in 1973, never intending to stay in Canada. Engaged in the world of ideas, she has long stated that “the art of talking means the art of being able to assume yourself as a person, as an entity, exchanging, dialoguing”. In January, Maboungou will deliver the keynote address at the annual International Association of Blacks in Dance conference taking place for the first time in Toronto. The theme is “Connecting Our Diasporas Through Dance”. Writer Philip Szporer sat down with the innovative and opinionated Maboungou in her school’s warm and welcoming studios on bustling St-Laurent Boulevard in the heart of the city’s Plateau district. Their conversation touched on a number of topics including defining the African Diaspora, the drum as a device for regeneration and the democratization of dance.

Zab Maboungou a toujours bien mené son mouvement dans le monde. La danseuse, chorégraphe, directrice artistique de Zab Maboungou/Compagnie Nyata Nyata et professeure de philosophie au Collège Montmorency à Laval se décrit comme une « enfant de la colonisation ». Née à Paris d’une mère française et d’un père congolais, elle arrive à Montréal en 1973. Engagée dans le monde des idées, l’artiste affirme que « l’art de la parole veut dire l’art de s’assumer en tant que personne, en tant qu’une entité en échange et en dialogue ». En janvier, Maboungou donne une conférence au colloque annuel de l’International Association of Blacks in Dance. L’événement se tient pour la deuxieme fois à Toronto et s’articule autour du thème « la danse comme liaison à nos diasporas ». Le rédacteur Philip Szporer retrouve la novatrice et obstinée Maboungou dans les studios accueillants de son école sur l’animé boulevard Saint-Laurent, au cœur du Plateau Mont-Royal. En discussion, ils parcourent nombre de sujets, y compris la définition de la diaspora africaine, le tambour comme outil de régénération et la démocratisation de la danse.

Departments

Editorial

By Kathleen Smith

Out of the Comfort Zone

Making Waves

By Brittany Duggan

Toronto’s Pamela Rasbach and her Typecast Dance Company

Inspired!

British choreographer Wayne McGregor/Random Dance

Know Your Moves

The basic salsa step

Emerging Views

By Kate Stashko

Chelsey Higdon at the University of Calgary and performing with W&M Physical Theatre

Tips for Teachers

By Katharine Harris, Canada's National Ballet School

Taking a Winter Break

Healthy Dancer

By Donna Krasnow

Développé and Pelvic Stability

Check It Out

Dimensional Dancing

Pina directed by Wim Wenders

Marking Time

Alberta's Contemporary Dance Theatre

By Amy Bowring

Courtesy of Dance Collection Danse

Short Waves

By Samantha Mehra, Jacqueline Hansen, Cindy Brett

Candace Loubert 1947-2011; Celebrating touring, birthdays and legacies [Ballet Jörgen Canada; Compagnie Marie Chouinard; Lola MacLaughlin]; Jeanne Holmes appointed artistic producer of CDF

Everyday Moves

Life is But a Dream

By MJ Thompson

Dance Through Life, a book of images that moves codified dance into the heart of the city.

Decolonizing Dance Stages

This year in Canada, the conversation about diversity, inclusion and representation has been omnipresent. I’m profoundly happy that more presenters, curators and jurors have brought these words into their vocabulary. But I question what they’re really referring to. Do we all really feel and understand the urgency? More precisely, when asking, “What does the word diversity really mean?” the answers from the dance milieu are often incomplete, reflecting a lack of comprehension of the issues at stake.

Video